Musique

Chinese Man

7 juin 2011     Réagissez!

Le collectif Chinese Man revient sur le devant de la scène avec leur nouvel album « Racing with the sun ». Le groupe a choisi une nouvelle direction après avoir réalisé deux volumes de compilations destinés aux DJ. L’album « Racing with the sun » en est la preuve !

Le groupe marseillais n’a pas construit seul cet opus. Les 4 membres ont sollicité la participation de General Elektriks, M2MX / DubYouth… pour dévoiler un album aux sonorités hip-hop, afrobeat… Le premier single « Miss Chang » reflète le style de cet album haut en couleurs. L’éclectisme du groupe est retrouvé dans les différentes chansons, sonorités d’Asie, d’Afrique, d’Amérique. Aujourd’hui Chinese Man conçoit son propre univers, loin du style des Vinyles de « The Groove Sessions ». Exit l’étiquette électro-swing, le groupe affiche son style mélange de hip-hop, ragga ou encore drum&bass. Actuellement en concert à travers la France, le groupe a fait une halte à Strasbourg, occasion pour Save My Brain de rencontrer le quatuor marseillais.

Comment est né et s’est réalisé ce nouvel album ?

« Racing with the sun » est le fruit de 5 ans de travail au sein du label Chinese Man Record. Après avoir sorti deux CD (Groove Sessions), on a souhaité créer un album et le sortir sous notre label. Concernant la préparation de l’album, on a travaillé pendant un an et demi, nuit et jour, heure après heure, seconde après seconde dans un seul but, réaliser « Racing with the sun ». Plus sérieusement, on est heureux d’accueillir de nombreuses collaborations, notamment avec Taiwan MC que l’on peut entendre sur la chanson « Miss Chang ».

Cet album est imprégné des rythmes de l’Indonésie ? Vous avez été influencés par votre tournée là-bas ? Vous avez eu un choc musical pour amener ces sonorités dans votre album ?

Notre coup de cœur ne s’est pas porté sur le pays mais plutôt sur un groupe, Dub Youth que l’on a rencontré il y a deux ans, lors d’un concert à Jogjakarta. Bien évidemment les influences et les sonorités du pays collent avec la musique et l’image du groupe. On a collaboré ensemble sur cet album.

A la base « racing with the sun » est une chanson d’Ella Jenkins. Pourquoi avoir choisi cette chanson en reprise.

Nous avons eu un attrait pour ce morceau, ce négro spiritual est quand même super beau. La voix et la guitare sèche nous laissaient un large spectre pour composer sur ce morceau. Mathieu a proposé que l’on choisisse ce morceau comme titre d’album et vue la portée forte et émotionnelle de ce morceau, nous n’avons pas eu de doutes.

La pochette de votre album est digne d’une affiche de film. Qui a eu cette idée ?

C’est notre nouvel illustrateur qui nous a amené cette idée. Il nous a évoqué ce côté cinéma, ça a immédiatement collé au groupe. En plus on reprend des concepts de la tournée précédente et puis le concept d’un homme voyageant à dos de buffle est une belle métaphore pour « L’Homme chinois ».

Ce n’est pas difficile d’être encore associé à un constructeur automobile ?

On a fait deux morceaux jazzy, type électro-swing et les gens nous ont associé à ce style. Pour nous, notre son ne peut pas être catalogué. On souhaite se détacher de cette image mais pas de la pub. Travailler sur cette publicité  nous a apporté un bel apport d’argent pour un label indépendant, c’est un détail à ne pas négliger.

On remarque que « Racing with the sun » se détache au niveau production de vos deux derniers albums. On note qu’il y a un fil conducteur et beaucoup plus de musicalités, est ce que vous avez été inspirés par le mouvement Hip-Hop Abstract ?

Nos deux premiers CD étaient des compils à destinations des DJ. Maintenant que l’on maitrise mieux la production, nous avons souhaité consacrer plus de temps à la musique, c’est pourquoi nous avons choisi un sample et travailler la musique autour. Les chansons de cet album sont fluides dans le sens de l’écoute.

En concert, Chinese Man, c’est évidemment le son du dernier album mais aussi des visuels. Derrière les 4 DJ, on retrouve un grand écran qui nous projette des séquences mixées par un des membres du groupe. Note toute particulière pour les chansons « Get up », « Racing with the sun » et « Miss chang » qui collent particulièrement à la mélodie. Le décor est enveloppe l’outillage utilisé par le groupe. Les spectateurs n’aperçoivent pas des fils, des pc et des tables de mixages mais chaque DJ a son espace et sa déco, ici des paravents customisés avec les perforations des balles d’un révolver. En show, tous les sens sont éveillés et l’ambiance est plus que présente. Pour preuve ces quelques images.

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Hugh Laurie – Let Them Talk

3 mai 2011     Réagissez!

Exit Dr House, l’écrivain de thriller, aujourd’hui on aime Hugh Laurie le musicien. Le britannique a sorti son premier album “Let them Talk” le 18 avril dernier. On le savait jouer de la basse et faire quelques sets entre amis mais on ne se doutait pas que le Dr House avait autant de talent en musique…

“Let them Talk” est un mélange de blues, de contry mais aussi de jazz de la Nouvelle-Orléans. Ce premier opus nous livre des reprises de Ray Charles, Bessie Smith ou encore Louis Armstrong. « Tout ce que je pourrais écrire n’arrivera pas à la cheville d’un Lead Belly ou d’un Dr John. Je préfère donner envie aux gens d’écouter l’original. Si les gens peuvent redécouvrir ces génies grâce à moi, je serai content. » explique Hugh.

La sortie de « Let them Talk » ne passe pas inaperçue, l’acteur britannique fait en ce moment un véritable marathon médiatique : TF1, Canal Plus ou encore France 2. Tout le monde se l’arrache ! Soulignons que la semaine dernière son album s’est déjà vendu à 130.000 exemplaires.

Pourquoi un tel succès ?  La notoriété de l’acteur fait vendre, par curiosité les gens vont l’écouter mais cet album n’est pas un produit purement marketing. A la première écoute, on ressent la sincérité de l’artiste, quand on écoute la chanson “Battle of Jericho” on n’a pas de doute, Hugh a mis une partie de son âme. Rappelons que l’acteur a réalisé cet album avant tout pour se faire plaisir mais aussi pour remettre au goût du jour les chansons de son enfance.

Coup de coeur pour la chanson “You don’t know my mind”, la piste d’introduction et un long morceau de piano et enchaîné avec cette chanson entraînante permet immédiatement d’avoir le sourire et les pieds se mettent automatiquement à danser.

Cet album ne s’écoutera pas uniquement sur cd, l’acteur fera quelques dates dont une à Paris, le 11 mai prochain sur la scène du Trianon. Accessoirement, on retrouvera l’année prochaine Hugh Laurie sur grand écran avec le film « Mr Pip ».

En attendant :

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Thomas Fersen – Je suis au Paradis

28 mars 2011     Réagissez!

Quand Thomas Fersen sort un nouvel album, il passe rarement inaperçu. En 18 ans de carrière, ce visage intemporel de la variété française a réalisé 9 albums studio. Neuf albums sur lesquels une galerie de portraits, de rêves plus ou moins loufoques ont été peints… A peine sorti dans les bacs, « Je suis au Paradis » s’est classé directement dans le Top 10 des meilleures ventes d’albums.

Cet album féerique n’aura pas de mal à séduire les fans aguerris mais qu’on se le dise Thomas Fersen fait du Thomas Fersen… mais il le fait tellement bien. Une fois de plus, en 12 chansons il nous dresse différents portraits ; personnages plus ou moins loufoques. Felix, Sandra … suivront Thomas lors de sa tournée. L’univers de la nuit est également omniprésent avec les chansons « Dracula », « Les loups garous », « enfant sorcière » .

Thomas est sur les routes de France, faisant une halte à la Cigale du 26 au 30 avril prochain. Et entre deux concerts, il nous a accordé quelques instants pour répondre à trois questions.

3 Questions à Thomas Fersen

Comment est né ce nouvel album ? Quelles ont été vos inspirations ?
En fait, tous les soirs après mon concert, je rangeais mes instruments et un soir j’ai imaginé une comparaison entre Dracula, le plaisir des femmes avec la pensée des filles aux cheveux blonds qui sont souvent plus cruelles que Dracula.
Bien souvent, l’idée de base de mes chansons est inspirée d’un truc simple. Un instant un peu particulier et après je brode.

Au mois d’avril, vous vous arrêtez quelques temps sur la scène de la Cigale, comment préparez-vous cette série de concerts ?
On va adapter à la scène le dernier album avec notamment une violoniste, un accordéon. Le concert sera en majorité avec les chansons du dernier album mais aussi une dizaine d’anciennes, incontournables comme « Monsieur », « Pégase » ; il y aura également quelques titres inédits.

En une phrase, présentez votre album aux internautes de Save My Brain ?
Si vous voulez vous échapper du quotidien, saisissez la porte.

Thomas Fersen et Save My Brain, c’est aussi :

- Thomas Fersen, interviewé pour son album Trois petits tours

- Thomas Fersen et son best of de poche

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Mogwaï : nouvel album

14 mars 2011     Réagissez!

Si le club des 5 écossais – Dominic Aitchison, Stuart Braithwaite, Martin Bulloch, Barry Burn et John Cummings – musiciens du groupe instrumental rock prog, Mogwaï, et véritables coqueluches des chaleureux mangeurs de huggies, revendiquent un choix de titres pour leurs morceaux sans signification, pour laisser libre court à une philosophie absurde, le titre de leur nouvel album sorti le 14 février dernier sur le label rock action, semble lui, clairement intelligible: Hardcore will never die, but you will.

Du point de vue de la puissance sonore on peut dire que le message est passé. Le groupe qui n’apprécie guère la limitation française à 105 décibels pour le son en concert, fait hurler les hauts-parleurs sur Mexican grand prix ou encore San Pedro, comme ils en avaient perdu l’habitude depuis leurs albums cultes, à savoir Young Team, Cody ou Mr Beast. Ils optimisent les célèbres distortions Fuzz Big Muff et supperposent les couches. La marque Electro Harmonix a d’ailleurs temporairement donné le nom du groupe à l’effet en question, tant il s’agit de leur marque de fabrique. Mais l’album est aussi contrasté par la beauté pure des mélodies, avec une longue pièce pour le morceau de fin, 8 minutes ronronnantes sur You’re Lionel Richie, ou encore sur Rano Pano avec 5 minutes de ritournelle.

La belle surprise sur ce double album, après avoir concocté la bande original du portrait de Zidane, Zidane a 21 century portrait, c’est un deuxième CD qui relève sur 23 minutes de piste, le travail de Douglas Gordon et Olaf Nicolaï’s «Monument for a forgotten future». La beauté des photographies reprise comme graphisme de l’album, représente de grands espaces urbains à l’aube, lorsque la ville s’éveille. Une participation des violons vient imiter une lumière bleu grisée qui fait de l’ombre aux réverbères.

Enfin pour prendre l’air de ce retour, le groupe est en tournée européenne ce mois de mars et sera au Trianon le 17 ainsi qu’à Lille, à l’Aéronef, le 18.

http://www.mogwai.co.uk/

http://www.myspace.com/mogwai

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Yodelice – Cardioid

7 mars 2011     1 Commentaire

Yodelice avait surpris et enchanté avec son excellent premier album Tree of Life. Il revient avec Cardioid, un deuxième opus qui confirme son talent sans pour autant être une copie du premier.

L’album s’ouvre sur Breathe in. L’intro assez longue (une trentaine de secondes) pose le rythme avant de laisser place à quelques vers chantés d’une voix éraillée immédiatement reconnaissable. Puis arrive le cœur de ce morceau : un instrumental complexe et génial, mâtiné d’influences orientales. Dès le premier titre, Cardioid confirme ce qu’on savait déjà : Yodelice est avant tout un musicien.

Un peu plus d’un an après la sortie de son premier album, Yodelice poursuit donc sa voie. L’ex arrangeur des L5 a su se créer un personnage autour d’un look et d’un style musical cohérent. On aurait pu craindre un concept marketing un peu trop bien huilé. Heureusement, Cardioid évite l’écueil de la simple recopie d’album. Si la filiation musicale avec Tree of Life est évidente, ce nouveau corpus de titres surprend par sa diversité. On a déjà noté l’influence orientale du titre d’ouverture, Breath in, on pourrait tout autant retenir l’arrangement de Experience, digne de la B.O. de Pirate des Caraïbes ou Monkey’s Evolution, ballade éthérée à la John Lennon qui clôt l’album. Cardioid démontre que le “concept” Yodélice a donc de l’avenir. Tant mieux !

Oui, tant mieux, parce qu’on n’aurait pas envie que l’aventure s’arrête là. Cardioid confirme tout ce que Tree of Life avait promis. Aussi excellent dans les arrangements que son prédécesseur, il s’annonce comme une usine à tubes. Si More Than Meets The Eye est déjà bien installé sur les ondes depuis quelques semaines, on aurait du mal à imaginer que My Blood is Burning ne fasse pas un carton : rythme entraînant, mélodie bien ficelée, solo de guitare électrique renversant… le tout dans un style très anglais, très classe. Le doux duo avec Simone, Five Thousand Nights, semble lui aussi doué d’un joli potentiel radiophonique.

L’album ne comporte que neuf titres. Heureusement, il n’y a pas grand-chose à jeter là-dedans !

A écouter : Breathe in, My Blood is Burning, Five Thousand Nights

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Olenka and the Autumn Lovers – And Now We Sing

18 janvier 2011     Réagissez!

Il est difficile de parler du groupe canadien Olenka and the Autumn Lovers sans se concentrer sur sa chanteuse Olenka Krakus, qui a fondé le groupe au début de l’année 2008. D’ailleurs le nom même du groupe est centré sur la chanteuse et sa saison préférée.

Basé à London (Ontario) le groupe est actuellement formé de Sara Froese (violon), Simon Larochette (trompette), Kelly Wallraff (violoncelle), Daniel Mancini (batterie), et bien sûr Olenka Krakus (guitare). De nombreux autres talentueux musiciens apportent leurs instruments à différentes occasions et au gré des rencontres.
C’est après avoir sorti deux EP en solo, qu’Olenka réuni ses Autumn Lovers en 2008, une année productive pour le jeune groupe qui verra la sortie de deux EP (Warsaw Girl et Papillonette) et un album intitulé après le groupe. Le mélange des genres, du klezmer à la country en passant par le rock et sans jamais négliger le folk, fera du groupe une véritable attraction lors des nombreux festivals auxquels ils participeront.

Il aura fallu attendre l’automne 2010 pour voir enfin la sortie du deuxième album du groupe : And Now We Sing.

On ne peut imaginer une meilleure chanson pour ouvrir ce And Now We Sing qu’Odessa.
Ce titre est parfait pour découvrir le groupe. Olenka ouvre seule au chant et à la guitare et sa voix fait déjà preuve d’une infinité de nuances et subtilités qui donne à ce groupe un intérêt supplémentaire. Rapidement le reste du groupe la rejoint avec une énergie et une vitalité formidable. Les sublimes chœurs viennent parfaire le tout. Une ouverture grandiose.

Clean est un peu plus rock, ce morceau est mémorable par l’impression qu’il donne d’un duel entre le chant d’Olenka et l’instrumentation de ses Autumn Lovers. De ce “battle” inattendu résulte un morceau puissant et efficace.
East End est quant à lui un morceau plus influencé par la western country, la voix de la chanteuse s’adapte avec une facilité déconcertante au style imposé et l’orchestration est simplement brillante.

De nouveau ces chœurs sublimes sur le bluegrass/blues Motel Blues, titre bien plus calme que les précédents. On peut en profiter pour apprécier cette voix toute en nuance qui attire l’attention et force à une écoute plus attentive.
Partant de la douce ballade folk, le morceau intitulée Go passe par un état de rock quasi épique avant de se terminer, comme si de rien n’était, dans sa douceur initiale.

Mary’s Song, avec son aspect enfantin fait la part belle aux cordes, le violon et le violoncelle s’amusent et se répondent sous l’œil bienveillant d’Olenka. Le sombre No Coins s’impose comme le titre le plus remarquable de l’album, à la fois poignant et excitant. Cherchant entre le folk et le rock, l’instrumentation offre un support idéal au chant rempli d’émotion que nous offre Olenka.

Une chanson plus intime vient ensuite, Lark, avec de nouveau des instruments un peu en retrait laissant s’épanouir une voix dont chaque intonation est nouvelle et fraîche. Mais on ne retient pas longtemps un groupe aussi vivace qui reprend toute sa place dans les deux titres suivant Sparrow et Shame.

Berlin me donne l’impression d’être une chanson de Maya Solovéy, c’est aussi la seule chanson avec juste une guitare acoustique. Mama’s Bag est un classique de folk/country à l’écriture soignée et très justement interprété.
Louise Of Littleville et ses 6 minutes sont un véritable voyage musicale qui touche à l’excellence.
Pour terminer en beauté et en douceur, le planant Sweet Little Road à pour difficile mission de nous ramener à la réalité.
Heureusement, il y a toujours la possibilité d’appuyer sur la touche “repeat”.

Loin d’être un album fourre-tout, c’est justement l’éclectisme des titres qui font de ce And Now We Sing un excellent disque à l’écoute duquel on ne s’ennuie pas une seule seconde.

Odessa, extrait de And Now We Sing par Olenka and the Autumn Lovers :

Olenka And The Autumn Lovers – Odessa by marginalissimus

Le site : olenkalovers.com
Les disques : cdbaby.com/Artist/OlenkaandtheAutumnLovers

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Azure Ray – Drawing Down The Moon

14 décembre 2010     Réagissez!

Le retour du duo Azure Ray après presque sept ans d’absence soulève plusieurs questions. Pour certaines la première question sera, mais qui est donc Azure Ray ? Question légitime puisque la reconnaissance du groupe au début des années 2000 n’a fait que s’atténuer les années suivantes, jusqu’à devenir le souvenir nostalgique d’une époque disparue.
Azure Ray est donc un duo féminin qui aura marqué le milieu de la dream-pop au début des années 2000. Formé par Orenda Fink et Maria Taylor, le groupe a connu le succès avec l’album Hold On Love sorti en 2003. Suite à cet album les deux artistes se sont concentrées sur leurs carrières solo respectives.

Autre question, mais pourquoi s’étaient-elles séparées ? Y aurait-il eu des querelles insurmontables?, le succès d’Hold On Love leur serait-il monté à la tête au point de faire de ses deux filles d’Alabama des divas ? Rien de tout cela, c’est visiblement un besoin de prendre des directions de travail différentes qui a mené Orenda et Maria sur des chemins eux aussi différents. Il semble malgré tout que le chemin qu’a suivi Orenda Fink par la suite lui a été indiqué par Todd Baechle, chanteur du groupe The Faint, qui deviendra en 2005 Todd Fink.

On pourra aussi se demander s’il s’agit bien là de leur retour ? Les deux chanteuses ont continué à travailler ensemble dans le groupe d’Andy LeMaster Now It’s Overhead, elles tournent ensemble depuis 2008 et elles ont sorti un EP Don’t Leave My Mind préparant l’arrivée de leur nouvel album.
Enfin, et surtout, ce nouvel album intitulé Drawing Down The Moon (sorti en septembre 2010) se place naturellement à la suite des trois premiers albums du groupe. Tout cela donne une image d’une “période entre deux albums” un peu plus longue que d’habitude plutôt que du grand retour annoncé depuis près d’un an par quelques critiques à la recherche d’un titre accrocheur.

Contrairement à leur collaboration précédente, Maria et Orenda ne se sont pas retrouvé pour innover, le recherche de ce son dream-pop aujourd’hui trop banal n’est plus le moteur de leur création et on les sent mélancolique de cette époque. Drawing Down The Moon est comme le regard nostalgique de ces deux chanteuses qui ont connu jeune une période de création sans limite, suivie par plusieurs années d’écriture plus traditionnelle (dans la pop pour Maria Taylor et la musique folk pour Orenda Fink qui ont chacune sorties plusieurs albums solo).

L’album est introduit par le titre Wake Up, Sleepyhead, morceau qui donne le ton contemplatif du disque. Le plus chaleureux Don’t Leave My Mind possède un effet hypnotisant qui ne suffit malheureusement pas à masquer un texte qui mériterait d’être retravaillé. Sur le titre In The Fog le fond rejoint la forme, le chant plaintif est perdu dans une atmosphère vaporeuse, saturé par nuage de musique électronique. Sur Larraine, simplement supporté par une guitare acoustique, les deux voix des chanteuses se fondent en une seule voix magnifique qui semble prête à s’évanouir à chaque instant.

On And On Again cherche à nous tirer une petite larme, et ne serait pas loin de réussir si les arrangements des cordes étaient restés sous tension jusqu’au bout du titre. Il est certain que ce morceau trouvera sa place dans une drama américaine. A la différence du titre précédent Make Your Heart est parfaitement arrangé, les cordes s’imposent naturellement dans ce qui est une “love song” très originale. Les ornements vocaux de Silver Sorrow sont un véritable enchantement et en font un des meilleurs titres de l’album. Signs In The Leaves est une ballade à la guitare qui se démarque essentiellement par la poésie de son texte.

Love And Permancence ne semble pas complètement achevé, les voix font une fois de plus leur effet, mais musicalement le titre semble vide. Au mieux ce morceau aurait pu faire une bonne face b, mais n’est pas légitime sur l’album. Le rythme entraînant de Shouldn’t Have Loved remet le disque sur les rails. Ce morceau contient tous les ingrédients qui font le disque, de la guitare en ouverture aux claviers, en passant par les cordes, les harmonies vocales et un texte mélancolique. Dancing Ghosts porte tellement bien son nom que le titre suffit à décrire cette admirable chanson. Le duo clôture l’album avec le poignant Walking In Circles.

Le duo est bel et bien de retour avec ce Drawing Down The Moon qui, malgré quelques défauts, est à la hauteur des albums précédents. Et même si j’ai envie qu’elles continuent leurs carrières en solo (enfin surtout Orenda) je suis sûr que ce quatrième album est le nouveau départ d’une aventure qui nous apportera de nouveaux bijoux musicaux.

Azure Ray – Don’t Leave My Mind from Saddle Creek on Vimeo.

Le site d’Azure Ray : azureraymusic.com

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Ana Caravelle – Basic Climb

9 novembre 2010     Réagissez!

Anahita Navab a 22 ans, elle étudie la psychologie à la célèbre université californienne UCLA. Elle est aussi multi-instrumentiste et a récemment sorti son premier album via Non Projects.

Ana joue de la musique depuis ses cinq ans. Le piano d’abord, puis vers treize ans de la guitare pour accompagner ses premiers textes. Ces instruments aussi classique qu’inépuisable ne la satisfont pas complètement et son envie de changement la pousse vers l’harmonium, le glockenspiel, la scie musicale et enfin la harpe qui devint pour elle une véritable obsession.
Une autre de ses obsessions est la musique, elle cite dans ses inspirations Björk, Amina, Sigur Rós, Beirut… Ana est aussi passionnée par la musique bulgare et fait d’ailleurs partie d’une chorale universitaire dédiée aux chants bulgare, qui s’est d’ailleurs produite en Bulgarie.
Elle a aussi fréquentée, toujours dans son université, l’UCLA Contemporary Jazz Large Ensemble et ne cache pas son admiration pour Dinah Washington et Billie Holliday.
Enfin il lui est difficile de ne pas citer (pas être parce que c’est ce que l’on attend d’elle) Joanna Newsom.

Alors oui, Ana et Joanna jouent de la harpe, une musique folk moderne et pourtant d’inspiration traditionnelle, et oui elle ont toutes deux une voix… particulière. Des comparaisons évidentes qui pourtant ne signifie pas que les deux harpistes sont comparables. Là où les inspirations de Joanna viennent d’un univers féérique arrangé dans le style appalachian-folk, Ana est bien plus terre-à-terre dans son écriture, et musicalement plus proche de la culture britannique.

Le premier album d’Ana, publié sous le nom Ana Caravelle, s’intitule Basic Climb, il est sorti fin septembre 2010. Avec seulement 6 titres mais quarante minutes, il permet d’entrer dans l’univers enivrant de l’artiste californienne.

L’album s’ouvre sur Where Have You Been?, question que l’on souhaiterait lui retourner car elle s’inscrit tellement bien dans le paysage musicale actuel que l’on pourrait avoir l’impression qu’elle a toujours été présente. Immédiatement sa musique et son chant fond preuve d’une grande vitalité, à chaque nouvelle “chanteuse à harpe” (car oui il y’en a d’autres) on s’attend plus ou moins à de la musique de chambre un peu molle (loin de moi l’idée de dénigrer ce genre dans lequel les plus grands compositeurs se sont illustré). La surprise n’en est que plus belle.

Le rythme inscrit par ce premier bijou musical est maintenu sur toute la durée de l’album.
Sa plus grande inspiration pour l’écriture de cet album, mis à part son côté pseudo-biographique, fut son domaine d’étude : la psychologie. C’est cette particularité qui la rend si moderne, son mode d’écriture empirique l’ancre totalement dans la réalité, là où sa harpe tente de l’entraîner dans un univers plus onirique. La production de ses titres en une musique fragmentée, non-linéaire, appuie cet aspect de sa composition.
Bien sûr, utiliser comme inspiration l’étude de la psyché peut avoir un côté sombre (écouter l’effrayant Shapeshifting), mais la sonorité de son instrument fétiche et ses harmonies sont heureusement là pour nous rassurer.

Même si le cheminement de l’album peut paraître chaotique lors de la première immersion, l’impression générale qui en ressort est plus proche du bien-être et d’apaisement ressenti lors de la sortie d’un jardin luxuriant… que l’on a un instant pensé devenir un labyrinthe.

Ana Caravelle – “Where Have You Been?” by NONPROJECTS

Son MySpace : myspace.com/anacaravelle

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Nellie McKay – Home Sweet Mobile Home

5 octobre 2010     2 Commentaires

Nous vous avons présenté il y a bientôt deux ans l’éclectique chanteuse Nellie McKay. A l’époque elle avait difficilement constitué une discographie de trois albums et avait du se battre avec ses maisons de disques pour chacun d’entre eux. Depuis Nellie McKay semble avoir trouvé une maison de disque avec qui elle peut travailler librement. Ainsi elle a sorti 2 albums en seulement douze mois. En octobre 2009 est sorti son premier album chez Verve Records (Normal as a Blueberry Pie), il s’agit aussi de son premier album entièrement en hommage à l’une de ses héroïne : Doris Day. Au vu de sa passion pour ce projet et de la qualité de l’album qui en a résulté, je suis certain qu’elle renouvellera l’expérience. Enfin, il y a tout juste une semaine est sorti le cinquième album de la pétillante et inclassable Nellie, toujours chez Verve Records, ce nouvel opus s’intitule Home Sweet Mobile Home et marque son retour à l’écriture.

Inclassable donc, pourtant deux “styles” marquent profondément la carrière de Nellie McKay, tous les autres étant des références, inspirations, et hommages plus ponctuels. Le premier style, celui qui a été le premier à la reconnaître et à l’admettre dans son cercle est le jazz, cette musique qui l’a marqué lorsqu’elle a commencé à apprendre le piano. L’autre style n’est pas réellement un style, plutôt une manière d’aborder la musique. Ce que l’on appelle musique populaire (à différencier de la pop) a pour but de s’adresser non pas à une certaine catégorie de personne, mais à une population plus vaste. Même si ce but n’est pas encore atteint, c’est bien l’objectif de Nellie de dépasser les genres, styles et frontières (bien que la barrière linguistique semble difficilement franchissable pour une artiste qui prend autant de soin dans le choix de ses mots et de ses tournures de phrase) pour faire passer différents messages.

Et des messages, elle en a plusieurs qui lui tiennent à cœur. Humaniste, féministe, protectrice des droits des animaux, engagée politiquement… quand elle prend la plume le cynisme et l’ironie font souvent parti des armes qu’elle utilise pour régler ses comptes.
Là où ses textes peuvent être sombre, sa musique est plus souvent lumineuse, joyeuse et dansante. Nellie McKay aime les contraste et cherche le juste milieu entre son envie de nous ouvrir les yeux et son désir de nous amuser, divertir, de nous faire passer un bon moment.

Son dernier album s’intitule donc Home Sweet Mobile Home, la bonne nouvelle en découvrant le titre de ce disque est qu’elle n’a rien perdu de son ironie. Vous y avez reconnu la locution évoquant la douceur du foyer. Pour ce qui est de “Mobile” vous avez pu en entendre parler suite à l’ouragan Katrina ou plus récemment avec la marée provoquée par la plate-forme pétrolière de BP. En effet cette ville d’Alabama a été touché par les deux catastrophes.
On pourrait même y voir un rapport avec des événements bien plus proche de chez nous…

Bruise on the Sky ouvre l’album sur un rythme pop, le morceau est musicalement confus, les instruments manque un peu d’air. Tout comme nous d’ailleurs puisqu’il c’est à la pollution qu’elle s’en prend.  Elle profite aussi de ce morceau pour faire un clin d’oeil à Charo (je vous épargne son vrai nom), l’actrice hispano-américaine est aussi une remarquable guitariste flamenco.
Sur Adios elle se retrouve seule avec son fameux ukulélé pour un morceau qui ne semble pas trouver sa place dans le disque (surtout après avoir entendu la version orchestrée intitulée Goodbye qui aurait du faire partie de la tracklist de l’album et pas seulement des bonus).

Elle enchaîne avec le très rythmique Caribbean Time, single dansant dont le sujet est l’oppression militaire et dictatorial, elle est décidément toujours en forme.
L’étrange Please qui commence comme une ballade et fini comme une bande son de dessin animé rappel dans son écriture l’excellent Sari que l’on écoutait sur son premier album Get Away From Me.
Beneath The Underdog fait référence à Charlie Mingus et à son autobiographie du même nom, ce musicien fut bien connu pour son apport au jazz et sa lutte contre le rascisme. Le morceau en lui même est une réflexion sur les relations entre les personnes, les cultures et elle n’oublie pas les animaux.

Le blues Dispossessed semble tout droit sorti de New Orleans, il rappelle que Nellie garde toujours un œil sur l’histoire de la musique américaine dont elle se nourrit et assume totalement l’héritage.
Le piano prend enfin une part importante sur le titre The Portal, une chanson d’amour envoûtante et pleine de regret. Elle change rapidement d’humeur avec le réjouissant ¡Bodega! Les Bodegas sont des lieux de vie et de rencontre important pour la communauté latine installé aux états-unis, on trouve beaucoup de ces épicerie de quartiers dans des villes comme Boston ou New-York.

Coosada Blues, de nouveau un blues donc, plus proche du début du rock cette fois. Sa voix languissante y mentionne le Sweet Mobile Home éponyme.
No equality est ironiquement un morceau disco, le titre a l’avantage de s’adapter à toutes les causes dans lesquelles elle s’engage.

Absolute Elsewhere suit le voie du rock mélancolique avant d’enchaîner sur un reggae dédié aux droits des animaux intitulé Unknown Reggae.
L’album se conclut sur Bluebird, un titre dans l’esprit des années 20 qui me fait réaliser qu’il n’existe pas réellement de terme féminin pour “crooner” pourtant Nellie a sa place auprès des plus grands crooners.

Un album aux styles nombreux, un peu stéréotypés mais pas caricaturaux, qui recherche et révèle un maximum d’influences musicales et culturelles qui font de Nellie McKay une chanteuse unique et universelle.

L’article précédent : Nellie McKay sur Save My Brain
Son site : nelliemckay.com

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Page Foster & Maya Solovéy

31 août 2010     1 Commentaire

Ce mois-ci vous êtes gâtées, la rubrique de l’album du mois ne sera pas consacrée à un seul disque, mais à deux. Deux albums qui vous sont proposés par deux chanteuses de grand talent et qui sont en plus amies. Deux albums sortis cet été, mais idéal pour faire la transition vers la rentrée et l’automne qui approche à grand pas.

Page Foster & Maya Solovéy

Page Foster – When and Where

Originaire de Minneapolis, Page Foster à grandit en chantant, que se soit en regardant les dessins-animés de Disney qui ont bercé son enfance, lors de compétition d’état de chant a capella ou encore dans des groupes formés avec ses amis. Le chant comme deuxième nature, il lui manquait encore une étape, et pas la moindre, pour réellement faire vivre sa passion. Elle traverse donc les 1600 km qui la sépare de New York et de son fameux Conservatoire de Musique de l’Université d’État de New-York (SUNY). C’est là qu’elle commence à écrire et jouer ses propres chansons. Elle sort diplômé du conservatoire en 2009. Elle choisi alors de s’installer à Brooklyn où elle réalise ses débuts dans des bars locaux et surtout travaille sur son premier album.

When and Where est sorti le premier juillet 2010, il est le fruit d’une année de travail et d’une vie de passion. Ce tout premier album d’une durée de 34 minutes est composé de 10 pistes, 6 chansons originales, un texte écrit par Maya Solovéy et 3 reprises.
Le disque s’ouvre sur For Some, Page prend la guitare et la gardera tout le long de l’album, une basse et un violoncelle (que l’on entendra à nouveau plus tard) viennent subtilement apporter du volume à la composition. Mais la surprise vient du banjo, qui ne fait pas qu’accompagner la chanteuse, ils forment ensemble un véritable duo.

La piste suivante est intitulée Suzanna, il s’agit d’une chanson écrite par Maya Solovéy, un texte magnifique chanté avec une grande émotion par Page. Avec Home, Alive et Let Me Go Page Foster démontre qu’elle aussi sait écrire de très beaux textes. Les accompagnements folk mettent en valeur sa voix douce et mélancolique, dont elle joue comme de sa guitare.
Elle enchaîne ensuite avec 3 reprises, d’abord Deep River Blues une chanson folk-blues traditionnelle, puis Be There un titre écrit par… les Spice Girls. L’interprétation est bien différente de la version originale. La troisième reprise est une chanson de Joanna Newsom : Clam, Crab, Cockle, Cowrie, la chanson perd la harpe et les deux derniers mots du titre mais ne perd rien de sa beauté. Chacune de ces reprises est interprétée avec une telle habilité qu’elles semblent appartenir entièrement à cette talentueuse chanteuse.

Les deux derniers titres de l’album sont à nouveau des chansons originales, la construction de Time Keeps Walking donne une véritable impression du temps passant en s’accélérant (l’harmonica et l’harmonium font leur petit effet), l’intensité de la voix de Page y est pour beaucoup. Watercolors conclut l’album par une berceuse où la voix de Page mêlée avec un violoncelle intimiste évoque le chant des sirènes mythologiques.

Cet album a été produit par Maya Solovéy, vous pouvez l’écouter et/ou l’acheter en vous rendant sur la page Bandcamp de Page Foster : pagefoster.bandcamp.com
Son site : pagesings.com

Maya Solovéy – I:II

Née à Philadelphie dans une famille aimant le voyage, Maya Solovéy s’est construit un passé multi-culturelle en parcourant une vingtaine de pays lors de ses 20 premières années. Quant elle eu envie d’apprendre l’espagnol, elle décida que le meilleur moyen d’arriver à ses fins était de partir vivre en Équateur, puis en Espagne. Elle fut ensuite attiré par le portugais, qu’elle apprit au Brésil dans des conditions de vie difficile.

Cet album est en réalité un double EP, à l’image de sa personnalité. La première moitié du disque est composée de morceaux écrits en anglais, des chansons folk orchestrées, la seconde moitié est quant à elle composée de morceaux écrits en espagnol et en portugais, des chansons aux rythmes bossa-nova pour accompagner ces langues latines. A peine plus long que l’album de Page Foster (11 pistes pour 39 minutes) il n’est composé que de chansons originales.

Il s’ouvre sur Dreamgirl une très belle chanson qui, bien qu’écrite en anglais, est inspirée par la relation entre Frida Kahlo et Diego Rivera. Le morceau Touch est sûrement celui qui se démarque le plus de l’album. Captivant, ce titre possède une dimension cinématographique capable de vous transporter en dehors du monde, en dehors de vous-même. The Most est une chanson plus simple, un ballade à la guitare acoustique teintée de nostalgie. Sur Tonight Maya prend le piano et est accompagnée d’un violoncelle, pour nous délivrer une chanson triste et intense. American Song conclue la première partie, elle est inspirée par la chanson One More American Song de Simone Felice, mais semble hantée par l’héritage des plus grands singer-songwriters du siècle dernier.

Le rythme change sur la seconde moitié, plus d’énergie dans la guitare, trombone, trompette et percussions font leurs apparition. L’esthétique des mots devient plus important, pourtant Maya n’oublie pas le sens. Sa voix chaude et accueillante est absolument parfaite pour cette musique ensoleillée. A Escultura et Eu Vi sont deux regards différents portés sur le futur. Como Yo Lloro Por Ti incite à danser, il est d’ailleurs difficile de résister à un rythme aussi entrainant. Na Distante au contraire est plus apaisé, le chant de Maya en reste passionné. Sur A Vida elle nous montre que seule avec sa guitare elle est tout aussi capable de rendre cette ambiance latine. Madreselva est tout comme Touch, un petit bijou de production.

Cet album a été produit par Maya Solovéy et “Bassy” Bob Brockmann (qui est à l’origine du mixage impeccable des deux albums objet de ce billet). Vous pouvez l’écouter et/ou l’acheter en vous rendant sur la page Bandcamp de Maya Solovéy : mayasolovey.bandcamp.com
Son site : mayasolovey.com

Les deux albums de l’été, et peut-être bien les deux albums de l’année !

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